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El jardín alberga una interesante colección de esculturas, de variados materiales y estilos, cuyos motivos evocan a la naturaleza, la historia o la música. Encuentre el recorrido en el plano principal y disfrute de su belleza.
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2) Ondina del Plata
Escultura de mármol del argentino Lucio Correa Morales, también conocida como La Primavera. Es una pieza de sello academicista que, aún cuando evoca a las ninfas del agua de la mitología escandinava, buscó ser un homenaje a la mujer americana. El yeso original de esta obra, realizada mientras el autor se formaba en Florencia gracias a una beca otorgada por Sarmiento, integra hoy el patrimonio del Museo de Bellas Artes de Mendoza. La primera versión en mármol de esta escultura es la que se encuentra emplazada en el centro del la fuente La Primavera en el Jardín Botánico Carlos Thays.
Se considera a Lucio Correa Morales (1852-1923) como el fundador de la escultura en la Argentina. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Florencia y regresó al país en 1882, cuando expuso sus primeras obras relevantes: Indio Pampa y El Río de la Plata. Hasta su desaparición siguió creando obras notables, inspiradas en temas nacionales, como Falucho, El Gaucho o La Cautiva.
Correa Morales viajaba por el interior del país observando a criollos y aborígenes, a quienes inmortalizó en sus más sensibles creaciones. Fue un notable docente en la Universidad de Buenos Aires, la Escuela Normal de Profesores y la Sociedad Estímulo de Bellas Artes donde formó a discípulos con brillo propio, como Rogelio Yrurtia, Pedro Zonza Briano y Miguel Ángel de Rosa.
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3) Los Primeros Fríos
Grupo escultórico en mármol realizado por Miguel Blay y Fábregas, catalán nacido en Gerona en 1866, que en 1906 fuera adquirido por Eduardo Schiaffino, fundador del Museo Nacional de Bellas Artes.
Representa a un anciano sentado cuyas manos entrelazadas expresan el crudo rigor del invierno. Junto a él se encuentra una niña recostada en su pecho que alza su mirada hacia el anciano requiriendo protección.
Miguel Blay y Fábregas estudió en Gerona (España), en Italia y en Francia. En 1892 recibe el primer premio de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid por la escultura Los primeros Fríos obra que con su lenguaje modernista influyó en toda una generación de escultores catalanes. La obra también fue premiada con medalla de oro en Barcelona en 1894, donde se encuentra la versión en bronce. La obra en mármol es la que se encuentra en el Jardín Botánico Carlos Thays.
En 1900, Blay y Fábregas es primer premio de la Exposición Universal de París y en 1902 le conceden el título de Caballero de la Legión de Honor, permaneciendo en la capital francesa hasta 1906 cuando se traslada a Madrid, ya como artista reconocido. En 1909 fue nombrado académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y profesor de modelado en la Escuela de San Fernando, cargo que ocupó hasta el año 1925 cuando asume como Director de la Academia de España en Roma.
Entre muchas obras relevantes es autor, además, del Monumento a Mariano Moreno, emplazado en Buenos Aires y del Monumento a José Pedro Varela que se encuentra en Montevideo.
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4) La Loba Romana
Es una copia en bronce del original de la Lupa Capitolina, que se creía realizado en época de los etruscos; investigaciones recientes sitúan su origen en el siglo XIII.
Esta reproducción fue donada por el Rey de Italia Vittorio Emmanuelle III (1869-1947) al Embajador de la República Argentina, Dr. Roque Sáenz Peña, con motivo del Centenario de la Revolución de Mayo, en 1910.
La obra donada por Italia fue emplazada originalmente en la intersección de las calles Florida y Diagonal Roque Sáenz Peña y luego trasladada al Parque Lezama, mientras que una segunda réplica se instaló en el Jardín Botánico.
El original se encuentra en el Museo del Capitolio, en Roma. La primer obra sólo tenía a la Loba o Luperca; las figuras de los gemelos fueron añadidos posteriormente, en el Renacimiento, y probablemente son obra del escultor Guillermo Della Porta.
Según la leyenda los gemelos Rómulo y Remo, hijos de Marte, fueron abandonados en el río Tíber por orden del Rey Amulio, cuya hija había incumplido el mandato paterno de virginidad. Los hermanos fueron recogidos y amamantados por la loba Luperca y cuando crecieron fundaron Roma. Remo murió a manos de Rómulo sin llegar a ver la nueva ciudad.
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5) Canto de la cosechadora
Reproducción en mármol, copia de una obra atribuida al italiano Antonio Canovas. Se trata de una doncella que participa de la cosecha, llevando en sus brazos las mieses recién segadas. Su semblante refleja el regocijo por la abundancia obtenida
Fue comprada por la Municipalidad y emplazada en el Parque Tres de Febrero el 11 de marzo de 1948. El 12 de noviembre de 1977, se procedió a emplazar la escultura en el Jardín Botánico Carlos Thays para evitar el vandalismo.
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6) Esquines
Estatua en mármol que representa al reconocido orador griego del siglo IV AC, Esquines. La figura, en actitud propia, tiene el cuerpo cubierto por una túnica. Durante mucho tiempo se pensó que se trataba de Plinio, poseedor de hermosos jardines en su villa en la Antigua Roma.
Esa había sido la idea de Charles Thays al encargar la figura a Europa pero, se supone, le fue enviada otra pieza, copia de una figura del orador griego, similar a la que se encuentra en el Museo Nacional de Nápoles. La falta de certificados de autenticidad puede haber facilitado este malentendido.
Esquines está ubicado en el centro del Jardín Romano, diseñado por Carlos Thays e inspirado en los antiguos jardines romanos de comienzos de la Era Cristiana. Fue un orador ateniense, rival de Demóstenes, que representa el pensamiento griego del siglo IV AC.
Representado de pie, la escultura de la túnica que lo viste sigue dos reglas del arte de la época: la sumisión de la ropa a la forma del cuerpo y la búsqueda de la estilización con base geométrica, que tiene en cuenta a la vez las articulaciones del cuerpo y las texturas particulares de la vestimenta. Los pliegues caen en forma angulosa puntualizando una ondulada diagonalidad, remarcada por la posición del brazo izquierdo y el borde inferior de la túnica. El tercer punto de apoyo de la figura se encuentra disimulado por detrás de la pierna.
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7) Busto de Carlos Thays
Busto en bronce con base artística de mampostería, enchapada en mármol travertino nacional, realizado por el escultor Alberto Lagos (1893-1960), el 13 de octubre de 1947 y emplazado en el Jardín Botánico el 7 de Diciembre de 1957 en ceremonia oficial.
Su realización fue dispuesta por Ordenanza 13682 y Resolución 10437 en 1942, sancionada por la Comisión del Concejo Deliberante. Este homenaje al Arquitecto Don Carlos Thays, creador del Jardín Botánico que lleva su nombre, se realizó a ocho años de su fallecimiento. Dos concursos para la realización de la obra fueron declarados desiertos hasta que, en 1945, se encomienda al escultor Alberto Lagos la ejecución de la obra por la suma de $ 5000 (moneda nacional) estableciéndose el plazo de 90 días para su finalización.
Recién en 1957 se dispuso la colocación del busto, cuando se acercaba un nuevo aniversario del Jardín Botánico.
Fue inaugurado el 7 de septiembre de 1957 en ceremonia oficial por el Intendente Municipal de la Ciudad de Buenos Aires, Dr. Eduardo Bergalli.
Alberto Lagos, nació en La Plata en 1885 y murió en 1960. Escultor y ceramista, vivió largas temporadas en Europa. Formado en París, experimentó en su obra la influencia de Rodin y el impacto de la escultura renacentista de Francia y de Italia. Integró el Nouveau Group en París y participó en muestras internacionales, en las que obtuvo varios premios.
Fue un excelente retratista. Entre sus obras se pueden mencionar: El arquero, El pescador y su alma y los monumentos a Ramón Falcón, a Jorge Canning, a Luis María Drago y al Inmigrante.
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8) L'Aquaiolo
Estatua-fuente en bronce, obra del escultor italiano Vincenzo Gemito. Su nombre significa “el aguatero” y representa a un adolescente desnudo que ofrece de beber con un gesto y una sonrisa que van más allá de la oferta del agua. Sobre su cadera derecha lleva apoyado un cántaro que vuelca el agua y sirve como surtidor para la fuente que se encuentra a sus pies. En su mano izquierda lleva un jarro pequeño que ofrece amablemente.
Es una de las obras más célebres del autor, quien resolvió muy ingeniosamente lo escultórico y lo decorativo, sin resentir el mensaje artístico.
La obra fue donada por el Dr. Ezequiel P. Paz a la Municipalidad para su instalación en una de las plazoletas que conforman la Plaza San Martín, entre Maipú y Esmeralda. Retirada de allí en dos oportunidades para su reparación, se decidió en septiembre de 1988 instalarla en el Jardín Botánico para protegerla del posible vandalismo, colocando una copia en su emplazamiento original.
Vincenzo Gemito, nació en Italia el 17 de Julio de 1852 y falleció el 1º de mayo de 1929. Estudió bajo la dirección de Stanislao Lista. Si bien es conocido por sus retratos-bustos, es más famoso por sus figuras de jóvenes muchachos de bronce, esbeltos y juguetones (serie Los pescadores), sus aguateros o pescadores desnudos, con fuerte contenido homoerótico.
En 1877, Gemito expone en el salón parisino una escultura que representa a un joven pescador (Il Pescatore, bronce, Florencia, Museo Nazionale del Bargello). El éxito de esta obra alienta al artista a continuar en ese género, proporcionando a sus modelos poses más expresivas.
Aquí, en el L’Acquaiolo, la pose balanceada de este scugnizzo (apodo dado a los niños de Nápoles), su sonrisa y su gesto provocador le proporcionan una carga erótica evidente. El escultor nos propone una escena realista de la calle, un diálogo vivo entre un vendedor de agua fresca y su cliente sediento – invisible. Pero la desnudez del niño, así como el zócalo en forma de fuente decorada con un mascarón, sitúan esta escena en la Antigüedad Romana, lo que permite al artista justificar su erotismo.
Fue en Nápoles, su ciudad natal, donde tras una larga estancia parisina Gemito realizó esta estatua. Una primera versión, púdicamente dotada de un calzón, fue destinada al rey de Nápoles, Francesco II, exiliado París.
Gemito forma parte de los escultores de la segunda mitad del siglo XIX llamados neoflorentinos, que se inspiraron del Renacimiento italiano. Esta obra se sitúa en la continuidad del “Joven pescador bailando tarantela” de Francisque Duret (Louvre) y del “Joven pescador napolitano” de Rude (Louvre). Pero también se inspira de las estatuaria romana antigua, de los numerosos faunos en bronce, de cuerpos gráciles, descubiertos en las ruinas de las lujosas villas de Pompeya y de Herculano.
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9) Venus
Reproducción en mármol inspirada en la célebre “Venus” de la Villa Medici. Se trata de un desnudo artístico femenino con el cuerpo cubierto parcialmente por un tenue velo que evoca a Venus, diosa de la Belleza.
La Venus de Medici (circa 100 AC), fue documentada por primera vez en 1638 en la Villa Medici de Roma. Está firmada por Cleomenes, hijo de Apolodoro, pero en el siglo XVIII su fama como modelo de belleza femenina era tan grande que se dudó de la autenticidad de la firma y se atribuyó la estatua a nombres tan ilustres como Fidias y Praxíteles (con cuya Afrodita de Cnido tiene cierto parecido en la pose).
Aunque hay varias Venus esculpidas –es una de las antigüedades más copiadas de la historia del arte-, la original Venus de Medici supera a todas en fama. Fue uno de los botines más valiosos que Napoleón se llevó a Francia cuando Italia estaba bajo su yugo, donde la mantuvo entre 1803 y 1815.
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10) Mercurio
Reproducción en mármol y piedra reconstituida. Dios romano del Comercio, Mercurio está representado como un joven cuyo cuerpo responde a los cánones de la belleza de la escultura en la Grecia Clásica.
La obra original fue destruida por la caída de un árbol. Por eso se decidió su reemplazo a través de un concurso organizado por el Jardín Botánico, que fue adjudicado a Ricardo Celma y Eduardo Llorena en el 2006.
En la base, la escultura exhibe los símbolos de todas las religiones y el de la paz.
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12) Columna meteorológica
La Columna Meteorológica fue obsequiada por la comunidad austro-húngara al gobierno nacional con motivo del Centenario de la Revolución de Mayo, en 1910, como agradecimiento al país por recibir a centenares de inmigrantes.
En 1909, los austro-húngaros formaron una Comisión de Homenaje, presidida por Nicolás Mihanovich e integrada por las máximas autoridades del Imperio en nuestro país. El embajador Norbert Ritter von Schucker fue designado Presidente Honorario. La ejecución de la obra se encargó al ingeniero José Marcovich, austríaco de origen croata, que se encontraba en nuestro país, para ser realizada en mármol blanco de la isla de Brac, ubicada en el Adriático.
Inicialmente fue emplazada en la intersección de Perú y Alsina, donde, en 1910, se colocó la piedra fundamental y el Embajador von Schucker decía: “Quiera la columna pronosticar siempre grandes bienes al pueblo argentino. Es este el más sincero voto que hoy formula la colonia austro-húngara, y animado de este deseo, invito a mis compatriotas a exclamar conmigo “Salud a la Nación Argentina. Que florezca y crezca”. Al poco tiempo, fue trasladada a la Plaza Rodríguez Peña y, finalmente, llegó al Jardín Botánico.
El monumento estaba formado por una columna de mármol blanco pulido, rodeado de tres escalones y asentado sobre una plataforma circular de granito de ocho metros de diámetro. En la parte media inferior, una serie de nichos contenía instrumentos meteorológicos de última generación (termómetros de máxima y mínima, barómetros y anemómetros, entre otros), mientras en la parte superior se habían colocado ocho relojes de precisión con la hora de las principales capitales del mundo: Buenos Aires, Londres, Viena, París, Madrid, Roma, Nueva York y Berlín.
Sobre uno de los costados de la columna debía haber un reloj de sol, en tanto toda la obra estaba coronada por una esfera de bronce de un metro representando a la bóveda celeste con un círculo zodiacal. En el interior, otra esfera representa a la Tierra con sus cinco continentes. Todos los materiales de la obra fueron entregados por los austro-húngaros excepto algunas partes del reloj proporcionadas por la casa Hans Wildi de la ciudad de Nabresina (Trieste). El monumento sería ejecutado en Austria., dada la complejidad de los elementos que lo componían. Pero no pudo terminarse a tiempo y se le hicieron algunos cambios: en los relojes, se reemplazó al de Berlín por el de Buenos Aires y se evitó así la construcción del reloj de sol que daría la hora local.
La Columna sufrió varias mutilaciones al año de su inauguración, ya que se retiraron los aparatos, que fueron destinados al Laboratorio del Gas de la Municipalidad. En 1977, el Servicio Meteorológico Nacional intentó, en vano, recuperar el valioso instrumental pero los originales no pudieron ser localizados y la Fuerza Aérea Argentina consideró que, dado que la Columna estaba ubicada en un paseo público, no era conveniente instalar instrumentos de alta precisión que pudieran ser robados o dañados.
En 2009, al acercarse el Bicentenario de la Revolución de Mayo, nuevamente las comunidades austríaca y húngara de la República Argentina afrontaron los costos de su restauración como un obsequio al país. La reinauguración, tras un largo trabajo de puesta en valor, se llevó a cabo el 23 de octubre de 2009.
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13) Bañista
Reproducción en mármol del escultor francés Mauricio Esteban Falconet (1716-1791). Representa un desnudo femenino que apoya su mano izquierda sobre un tronco talado mientras la mano derecha sostiene un velo que la cubre pudorosamente. De líneas delicadas, es una obra magnífica en su composición.
Donada por la Sra. María M. Pedemonta, estuvo emplazada en el Parque Tres de Febrero hasta el 29 de diciembre de 1944. En junio de 1965 se trasladó a los depósitos del Departamento Monumentos y Obras de Arte para restaurarla en base antiguas fotografías, ya que la cabeza había sido rota y robada.
Finalmente, el 3 de setiembre de 1970, se colocó en el Jardín Botánico.
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14) Sagunto
Grupo escultórico realizado en mármol de Carrara por el escultor catalán Agustín Querol (1860-1909).
Simboliza un hecho real de la historia de España ocurrido en Sagunto, capital de la provincia de Valencia, en la que sus habitantes prefirieron el sacrificio de sus vidas, antes que rendirse a las huestes de Aníbal, jefe cartaginés que atacara la ciudad en el 218 AC.
Su heroica resistencia está expresada por una madre que, luego de sacrificar a su hijo, se quita la vida con un espadín. El cadáver del niño tiene en una de sus manos una rama de laurel, simbolizando la gloria eterna del sacrificio heroico de la vida.
La escultura mide 2 m. de largo y fue adquirida en Europa por Eduardo Schiaffino, siendo emplazada por primera vez en la Plaza San Martín en 1908. En 1954 se guardó en un depósito municipal, por considerarla de un fuerte impacto emocional. En 1961 se la colocó en Plaza España y, finalmente, llegó al Jardín Botánico en 1974.
Domingo Agustín Querol Subirats nació en la ciudad de Tortosa, Cataluña, en el seno de una familia humilde. A los 18 años, Querol abandona la tahona de su padre y se traslada a Barcelona, donde trabaja como aprendiz en los talleres de Domingo Talarn, primero, y en el de los hermanos Vallmitjana después, hasta 1882. Asiste también a las clases de escultura de la Escuela Provincial de Bellas Artes (popularmente la Lonja) y a las salas de disección de la Facultad de Medicina en el Hospital de la Santa Cruz de Barcelona para estudiar anatomía. En 1884 obtiene plaza por oposición, junto a Eduardo Barrón, para estudiar en la Academia Española de Bellas Artes en Roma. Instalado en Madrid en 1890 empieza su frenética carrera alzando monumentos, realizando esculturas y presentando proyectos para España y América.
Querol fue empresario, agente de exposiciones, literato (bajo el pseudónimo de El Plutarco del Pueblo, 1894-97), vicedirector del Museo de Arte Moderno de Madrid, Diputado a Cortes por el Partido Conservador y hombre de sociedad. Su carrera, siempre acompañada por la feroz crítica de sus detractores, quedó truncada con su muerte el 14 de diciembre de 1909. Dejó monumentos inacabados en Tortosa, Buenos Aires, Guayaquil o Montevideo que serian finalizados con el tiempo: por ejemplo, La Carta Magna y las Cuatro Regiones Argentinas, fantástica obra en mármol y bronce que es más conocida como "Monumento de los Españoles" fue ideada por Querol y finalizada, tras su muerte, por Cipriano Folgueras.
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15) Amazona
Obra de reproducción de mármol realizado a partir de un original atribuido al escultor griego Fidias (500 a.C.) que se exhibe en el Museo Capitolino de Roma como Amazzone ferida.
La copia habría sido realizada por una artista italiano de apellido Pirilli y llegó al Jardín Botánico en el año 1968.
Fidias vivió en época de Pericles, estadista empeñado en hacer de la Acrópolis de Atenas un signo majestuoso de la grandeza de la ciudad. Pericles se convirtió en el principal protector del escultor, quien básicamente trabajó en y para Atenas.
Muchas esculturas de extraordinaria belleza son atribuidas a Fidias. Sin embargo, de sus obras no ha llegado hasta nosotros ningún original, y en la mayoría de los casos, las copias son atribuciones, sin que pueda determinarse hasta qué punto responden a la obra del maestro.
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16) La Flora
Escultura de pizarra pulverizada, reproducción del original que se encuentra en el Museo del Louvre, perteneciente al artista francés Renato Frémin (1672-1744).
Está asentada sobre base de mampostería y representa un desnudo femenino cubierto en parte su cuerpo por un tenue velo. Se apoya sobre un tronco florecido, y su frente se halla orlada por una corona de flores.
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17) La Soberanía
Escultura en fibrocemento patinado, imitando el bronce, del escultor argentino Domingo Páez Torres, nacido en San Luis en 1920.
Representa un desnudo femenino, que tiene en su mano derecha un arco y su mano izquierda apoyada sobre la frente mirando hacia la distancia.
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18) V Tiempo de la VI Sinfonía de Beethoven
Es una serie de piezas escultóricas realizadas en mármol por el artista italiano Leone Tommasi (1903-1965), inspiradas en la Sinfonía Pastoral de Beethoven.
Esta serie llegó a la Argentina en distintos años: en 1951 lo hicieron las que representaban el IV y V movimiento (2 estatuas), en 1952 el I y III (2 estatuas) y en 1953 el II (1 estatua). Fueron guardadas en depósito y restauradas en 1962. Dos de ellas se instalaron en la intersección de las calles Salvador María del Carril y Segurola y hoy se desconoce su paradero. Las tres piezas restantes fueron emplazadas en el Jardín Botánico el 3 de setiembre de 1975.
V TIEMPO
Este grupo escultórico está expresado por dos figuras, un desnudo masculino y uno femenino, en actitud de agradecimiento a Dios por la providencial lluvia caída, que se demuestra en la sinfonía con un himno de reconocimiento.
Leone Tommasi nació en Pietrasanta, Italia, lugar donde pasó la mayor parte de su vida y que, gracias a él, inició su florecimiento como centro de los grandes artistas del mármol. Ha sido llamada, por eso, la pequeña Atenas.
Estudió primero en la Academia de Bellas Artes de Roma y la de Brera en Milán. Durante 20 años fue profesor en la Escuela de Arte Estático de Pietrasanta. A pesar de haberse dedicado extensamente a la escultura, fue un eximio pintor, considerado el más grande acuarelista de su época.
Entre 1950 y 1954 viajó a la Argentina para realizar las grandes estatuas de contenido social que se colocaron en el frontispicio superior de la Fundación Eva Perón y las proyectadas estatuas que conformarían un colosal grupo escultórico, de más de 100 metros de altura, en homenaje al Descamisado. Tommasi era el escultor preferido de Evita y, aunque no terminó su obra, llegó a construir varias piezas que fueron descabezadas y arrojadas al riachuelo por los partidarios del golpe de Estado que derrocó al gobierno peronista en 1955.
En 1996 el presidente Carlos Menem encargó la búsqueda de las estatuas en el fondo del río donde se encontraron tres que fueron trasladadas a la Quinta de San Vicente, hoy convertida en Museo.
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19) IVTiempo de la VI Sinfonía de Beethoven
Es una serie de piezas escultóricas realizadas en mármol por el artista italiano Leone Tommasi (1903-1965), inspiradas en la Sinfonía Pastoral de Beethoven.
Esta serie llegó a la Argentina en distintos años: en 1951 lo hicieron las que representaban el IV y V movimiento (2 estatuas), en 1952 el I y III (2 estatuas) y en 1953 el II (1 estatua). Fueron guardadas en depósito y restauradas en 1962. Dos de ellas se instalaron en la intersección de las calles Salvador María del Carril y Segurola y hoy se desconoce su paradero. Las tres piezas restantes fueron emplazadas en el Jardín Botánico el 3 de setiembre de 1975.
IV TIEMPO
Este grupo escultórico, está expresado por una figura femenina de pie e inclinada hacia su izquierda, de formas suaves y ondulantes, cuyo cuerpo se confunde por detrás con un árbol en la misma posición. Esta figura nos da idea de tempestad tal como se denomina a este movimiento.
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20) II Tiempo de la VI Sinfonía de Beethoven
Es una serie de piezas escultóricas realizadas en mármol por el artista italiano Leone Tommasi (1903-1965), inspiradas en la Sinfonía Pastoral de Beethoven.
Esta serie llegó a la Argentina en distintos años: en 1951 lo hicieron las que representaban el IV y V movimiento (2 estatuas), en 1952 el I y III (2 estatuas) y en 1953 el II (1 estatua). Fueron guardadas en depósito y restauradas en 1962. Dos de ellas se instalaron en la intersección de las calles Salvador María del Carril y Segurola y hoy se desconoce su paradero. Las tres piezas restantes fueron emplazadas en el Jardín Botánico el 3 de setiembre de 1975.
II TIEMPO
Grupo escultórico, que simboliza una escena a orillas del arroyo. Está constituido por una pastora en posición hincada que lleva sobre sus hombros un pequeño cordero. Ella está escuchando el canto que produce el arroyo en su paso por el bosque.
Se inauguró en 1941 en la Plaza Arenales.
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21) El Despertar de la Naturaleza
Grupo escultórico de mármol de notable belleza, perteneciente al escultor italiano Juan De Pari. Esta obra es Patrimonio Nacional. Representa el sueño interrumpido de dos niñas, una de pie y otra arrodillada, que con su hermosura hacen vibrar el entorno.
Se inauguró el 5 de octubre de 1938. El municipio adquirió el yeso en 1931, al fallecer su autor, realizando su reproducción en mármol blanco de Carrara en 1938.
Juan De Pari nació en Milán, Italia, en 1857 y falleció en 1931. Vino a nuestro país en 1886.
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22) Flor Indígena
Escultura en piedra arenisca perteneciente al artista argentino Gonzalo Pondal Leguizamón (1890-1944).
Se trata de un desnudo en actitud de devoción. Fue emplazada en el Jardín Botánico el 10 de diciembre de 1979.
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23) Pureza
Escultura en bronce del escultor argentino Alfredo Bigatti (1898-1964). Figura que muestra tres cuartos del cuerpo de una adolescente, que con serena belleza se muestra pudorosa y pura.
Fue emplazada en el Jardín Botánico el 4 de setiembre de 1974. La obra había obtenido el Gran Premio Nacional de Escultura en 1926.
Alfredo Bigatti nace el 19 de julio de 1898 en Buenos Aires, Argentina. Es egresado de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes de Buenos Aires.
Artista plástico de gran trayectoria, obtiene varios premios. Viaja a Europa por primera vez en 1923, donde continua estudiando. Se vincula al grupo “Martín Fierro”, obteniendo varios premios por sus figuras y relieves.
La obra de Alfredo Bigatti se mantiene dentro de la figuración. Generalmente obedece a principios de organización claros y rigurosos, en cuyo desarrollo la síntesis y la estructura de las formas son ejes claves.
El juego constructivo de volúmenes en el espacio vuelve a sus figuras rotundas y arquitectónicas en tal grado que sugieren la idea de una permanencia de resonancias clásicas, de la que no es ajeno su contacto con obras del repertorio egipcio y griego arcaico. No obstante su respeto por la tradición, Bigatti comprende la renovación de pensamiento que supone la modernidad.
En 1935 obtiene el Gran Premio Nacional de Escultura en el XXV Salón Nacional de Escultura de Artes Plásticas, con su obra Alba, cabeza de piedra inspirada por Raquel Forner, con quien contrae matrimonio en 1936.
En 1937 obtiene el Gran Premio de Escultura de París con su obra Cabeza de Mujer, talla directa en piedra. Realizó el monumento a Bartolomé Mitre, El Océano, El Oeste y La Pampa para el Monumento Nacional a la Bandera y los relieves La Patria Abanderada y Juramento del Ejército de los Andes.
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24) Flora Argentina
Obra original en mármol y granito del argentino Emilio Andina (1875-1964). Se trata de un desnudo femenino que simboliza a la flora argentina.
Emilio Andina, escultor y docente, nació en Buenos Aires el 28 de mayo de 1875 y murió el 16 de abril de 1935, en la misma ciudad. Sorteando enormes dificultades económicas, viajó a Milán para estudiar en la Academia de Brera. Discípulo de Vespaciano Bignami, Francisca Confalonieri y Enrico Butti, se perfeccionó en Roma en el Instituto Real de Bellas Artes y regresó a Buenos Aires en 1905.
Es autor también del Monumento a Adolfo Alsina y de Los Náufragos, entre otras obras.
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25) Busto de Perito Moreno
Busto realizado por el argentino Domingo Páez Torres. Es una obra de fibrocemento patinado posteriormente fundido en bronce que recuerda al Perito Francisco P. Moreno, quien donara los terrenos para la realización del Parque Nacional Nahuel Huapi el 6 de noviembre de 1903.
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26) Saturnalia
Grupo escultórico que pertenece al italiano Ernesto Biondi (1854-1917) y cuyo original se encuentra expuesto en la Galería de Arte Moderno en Roma. La obra que se encuentra en el Jardín Botánico es calco realizado en bronce a la cera perdida, y fue donada al Museo Nacional de Bellas Artes en 1963.
La escultura representa una escena de la celebración religiosa pagana que anualmente llevaban a cabo los antiguos romanos, realizada en honor al dios Saturno.
Es una escena eminentemente teatral. Un patricio arrastra a su derecha a un sacerdote e intenta levantar a otro. A su vez, uno de los sacerdotes extiende su mano hacia una de las patricias que ríe y retrocede apoyándose en el hombro de un gladiador, mientras que su hijo aparta con su mano al sacerdote, acercándose a su madre. El gladiador, observa esta escena, mientras toma por el hombro a una prostituta. Un soldado toma del brazo a un esclavo, que avanza y abraza a un músico que toca dos cornetines, indiferente a lo que acontece.
Una calle de Roma en una noche de Saturnalia. A la derecha del que mira se ve un patricio que arrastra a un sacerdote e intenta levantarlo del piso, otro obscenamente caído por la borrachera. Del resto están borrachos tres, el viejo y los dos sacerdotes flojos y obesos. Uno de ellos, aquél que todavía se tiene en pie, extiende su mano gorda y poblada de anillos hacia una patricia, que ríe ante su obscena reclamación.
El grupo está representado en el estilo del tardo romanticismo italiano, de fines de siglo, de gran realismo expresivo y rostros de facciones vulgares. La vitalidad de los cuerpos encuentra toda su expresión en las figuras centrales; las figuras femeninas son de un tipo esbelto, conformando un grupo que expresa un movimiento vivo y desenfrenado.
Las leyendas escritas que contiene la obra explican su mensaje:
• TOTIUS ORBIS MORTVOS PLANGO ROMANUS ORBIS RVIT (Lloro la muerte en todo el mundo, el Imperio Romano desaparece). San Jerónimo.
• SAEVIOR ARMANIS LVXVRIA INCUBVIT VICTVMQVE VLCSCITVR ORBEM (Ha hecho más vencidos, la lujuria, que las armas crueles) Juvenal.
• IN VIDA FACTORVM SERIES SVMMISOQVE NEGATVM STARE DIV NIMIOQVE GRAVE SVBPONTERE LAPSVS NEC SE ROMA FERENS. (Conviene estar fuerte ante los emperadores y si en la adversidad, se cae bajo la presión de ellos, no conviene dirigirse a Roma) Juvenal.
Se trata de una obra encuadrada dentro del estilo clásico del romanticismo italiano de fines del XIX, que emana realismo. Impresiona por la expresión de los rostros y de los cuerpos, desbordantes y brutales de los soldados, como así también por la esbeltez y voluptuosidad de las figuras femeninas, conformando un grupo que expresa un movimiento vivo y desenvuelto.
Esta obra tiene una larga y curiosa historia de discriminación e incomprensión, por parte de las autoridades de nuestro país. Biondi trabajó más de 10 años en ella hasta que fue exhibida por primera vez en la Exposición Universal de París de 1900, con gran aceptación del público y controversia entre los críticos. Ganó el premio Gran Prix y su autor recibió la Cruz de Caballero de la Orden de la Legión de Honor de manos del presidente francés Loubet.
El argentino Hernán Cullen Ayerza (escultor, abogado y diplomático), la adquirió en 1907, cuando era secretario de la embajada en Roma. Había estudiado con Biondi y le propuso a éste realizar un calco de la obra con la idea de vendérsela a la Municipalidad de Buenos aires, para embellecer la Ciudad.
Así surgió esta única copia que, al llegar a Buenos Aires el 14 de febrero de 1910, tuvo que permanecer en la aduana hasta 1912, pues no contó con el apoyo de los funcionarios porteños debido a su temática.
Entonces Ayerza la emplazó en el jardín de su residencia en la calle Esmeralda, donde estuvo por más de 40 años. Cuando murió, en 1957, siguiendo lo expresado en su testamento, fue donada al Museo de Bellas Artes en Buenos Aires. Pero en corto tiempo el museo la entregó en calidad de préstamo a la Municipalidad, quien la conservó en depósito.
En 1963, durante la Presidencia del Dr. Arturo Umberto Ilia, se la ubicó en el Club Ciudad de Buenos Aires. Más tarde, durante la última dictadura militar argentina (1976-1983), se la trasladó al Centro Cultural General San Martín, pero en 1981 se decidió censurarla y quedó perdida en un depósito municipal, en una caballeriza, cubierta de estiércol.
Con el retorno de la democracia fue rescatada y emplazada en el Jardín Botánico en 1984.
Demoraron en emplazarla sesenta y un años y fue siempre exhibida en espacios cerrados o semi públicos. Su emplazamiento actual, en el Jardín Botánico, también le da un espacio elegido, protegido y reservado. Pero, por su temática y expresionismo en la representación, el espectador no pasa indiferente frente a este grupo. El hecho de estar a nivel del suelo y sin rejas, permite acercarse, disfrutar y asombrarse frente a estas figuras que gesticulan, se ríen y se muestran en una atmósfera decadentista que asombra hasta el día de hoy.
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27) Plegaria de la India Tehuelche
Obra perteneciente al escultor Nicolás I. Bardas, realizada en cemento patinado imitando bronce. Representa a una mujer indígena en actitud de oración.
Tras varios años dedicados a su restauración, es la obra más recientemente emplazada en el Jardín Botánico. Fue colocada al lado de la casa principal en abril de 2010.
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2) Ondina del Plata
Escultura de mármol del argentino Lucio Correa Morales, también conocida como La Primavera. Es una pieza de sello academicista que, aún cuando evoca a las ninfas del agua de la mitología escandinava, buscó ser un homenaje a la mujer americana. El yeso original de esta obra, realizada mientras el autor se formaba en Florencia gracias a una beca otorgada por Sarmiento, integra hoy el patrimonio del Museo de Bellas Artes de Mendoza. La primera versión en mármol de esta escultura es la que se encuentra emplazada en el centro del la fuente La Primavera en el Jardín Botánico Carlos Thays. Se considera a Lucio Correa Morales (1852-1923) como el fundador de la escultura en la Argentina. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Florencia y regresó al país en 1882, cuando expuso sus primeras obras relevantes: Indio Pampa y El Río de la Plata. Hasta su desaparición siguió creando obras notables, inspiradas en temas nacionales, como Falucho, El Gaucho o La Cautiva. Correa Morales viajaba por el interior del país observando a criollos y aborígenes, a quienes inmortalizó en sus más sensibles creaciones. Fue un notable docente en la Universidad de Buenos Aires, la Escuela Normal de Profesores y la Sociedad Estímulo de Bellas Artes donde formó a discípulos con brillo propio, como Rogelio Yrurtia, Pedro Zonza Briano y Miguel Ángel de Rosa.